Etiqueta: Morelia 2012

La vejez es un tema que muchas veces parece lejano, pero que a la mayoría de los seres humanos alcanza. Así, al llegar los años del retiro, muchas veces la gente se da cuenta de que estaban preparados para todo, menos para vivir tanto tiempo y padecer la tercera edad.

Robelin muestra de forma cómica (pero también sensible y directa) a cinco amigos de edad avanzada que un día se dan cuenta de que ya no es lo mismo que antes y que tienen que empezar a ver por ellos y su futuro, que cada vez luce más dudoso. Sin embargo, no tardarán en darse cuenta de que son vulnerables y que ellos mismos son lo único que tienen.

La cinta explora además, una realidad que cada vez es más recurrente, dados los avances de la tecnología que han ampliado la edad promedio de vida de las personas.

Este largometraje está compuesto por siete cortometrajes (uno por cada día de la semana) realizados por siete directores: Benicio del Toro, Pablo Trapero, Julio Medem, Elia Suleiman, Gaspar Noé, Juan Carlos Tabío y Laurent Cantet, que retrataron su visión personal de la isla caribeña.

En 7 días el espectador puede tener una perspectiva –a través de la visión de cada realizador- del carisma, cualidades e idiosincrasia del cubano, y de la realidad que tienen que afrontar día  a día.

De los distintos cortos, vale la pena resaltar el trabajo de Del Toro que se estrena en un largometraje, y por supuesto de Julio Medem, que mantiene su estilo íntimo, sin importar el país, la locación ni la historia.

La Habana es una ciudad llena de música, encapsulada en una burbuja de los años cincuenta, con gente que defiende su régimen y personas que están ansiosas por salir adelante o salir de la isla.

Cada director, desde su perspectiva, muestra un ángulo de la realidad que viven los cubanos, sus deseos, sus fortalezas, y sus obstáculos; así como los contrastes entre los extranjeros y sus habitantes.

Juliette Binoche es Mila, una médica cirujana especializada en cardiología, casada con Javier, también cardiólogo, quien padece de alcoholismo. En medio de su amor desenfrenado y apasionado, la pareja sobrelleva la enfermedad de Javier, franqueando los incidentes que pasan a ser menores ante el profundo cariño que se profesan.

Este es el segundo largometraje de la también actriz Marion Laine, y en él explora lo delicadas que son las relaciones humanas y más aún cuando el corazón está expuesto. En cuestión de segundos, y por una mala decisión o una complicación externa, la vida de otra persona se puede ir de las manos, y todo lo que se ha construido por años, se podría ver minado y hasta perdido.

Con una actuación incuestionable de Binoche (que cada vez luce más atractiva) y la participación del venezolano Edgar Ramírez, A corazón abierto es una reflexión ante el problema con el alcohol y las repercusiones que tiene éste en la vida cotidiana; pero más allá de eso, la cinta refleja la importancia del equilibrio y la sensatez, cuando el amor excesivo no es suficiente para soportar una relación de pareja.

El amor incondicional es algo que se enseña en las películas y en muchos otros medios, pero que a veces es difícil encontrar en la vida cotidiana. El amor profundo que franquea obstáculos y se antepone a las adversidades solo pareciera propio de los cuentos de hadas.

En Amour, Michael Haneke exalta el vínculo y cariño de una pareja de ancianos (que rondan los ochenta años) estable y feliz, que verá dramáticamente transformada su realidad ante el ataque que le da a Anne (Emmanuelle Riva), que la deja incapacitada para llevar a cabo su vida cotidiana. Georges (Jean-Louis Trintignant) se volverá entonces el abnegado esposo que cuida a su mujer y trata de salir adelante ante la inminente realidad en la que Anne se disuelve en el mar de la memoria.

Es una conmovedora historia de dos personas que han decidido acompañarse hasta el final de sus días, sin importar las consecuencias o tribulaciones que deban sobrepasar. Con esta película, Haneke se consagra como director, llevándose la Palma de Oro en Cannes, y es que no cualquiera sostiene una historia tan sencilla y al mismo tiempo tan emotiva con dos actores (tres acaso) en un apartamento.

La última adaptación de la novela de León Tolstoi ha corrido a cargo del director inglés Joe Wright, que se ha convertido en una referencia en los últimos años para el cine de época con su versión de Orgullo y Prejuicio (2005) y Expiación (2007). No obstante, también ha realizado películas como El Solista (2009) y Hanna (2011) que están ubicadas en la época actual y que corresponden a diversos géneros.

Wright entrega en Anna Karenina no sólo una nueva revisión de la historia de esta aristócrata rusa adúltera, sino que lo hace de una forma innegablemente teatral, lo que le da una dimensión no sólo de no-realidad, sino que además lo hace con una maestría coreográfica que se equipara a las complejas secuencias de baile de cualquier musical.

El director aprovecha la teatralidad para transportar al espectador a un mundo ficticio, lleno de apariencias (tal como la sociedad rusa de la época) y mantiene latente en el público la idea de que lo que está viendo es producto de la imaginación de sus creadores. No obstante esto, no aleja al espectador de la historia, sino que, por el contrario, lo introduce en una dimensión en donde lo que sucede se hiperboliza, dando paso a las más profundas emociones expuestas con múltiples recursos en una puesta en escena mucho más trabajada y evidente que en otras películas.

Ben Affleck, reconocido y premiado actor, presenta su tercer largometraje como director (y protagonista) y lleva a la pantalla grande uno de los actos más “hollywodenses” que ha realizado la CIA en la vida real. En los ochenta, seis diplomáticos de la embajada norteamericana, se escaparon de las manos de los iraníes, que tomaron la sede estadounidense en ese país. Tony Mendez (Affleck) será el encargado de idear y ejecutar la forma de regresarlos a casa.

De lo increíble que resulta la historia, parece salida de una película de suspenso, y eso es justamente lo que logra Affleck en Argo, mantener al espectador en un alto nivel de tensión, suficiente para sostenerlo al borde de su asiento. Además, logra una ambientación que transporta a la época, y tiene un casting que hace justicia a sus representados.

Argo podría pasar como una más de las historia que hablan sobre la supremacía estadounidense y sobre cómo los norteamericanos dominan al  mundo. No obstante, es un caso de la vida real, que supera la ficción, y que el actor-director ha logrado dimensionar hasta darle una forma no sólo interesante sino capaz de mantener al filo a cualquiera.

Leer crítica

En Rumania, Alina y Voichita son dos jóvenes mujeres que crecieron juntas en el orfanato y que años más tarde se han reencontrado en otro momento de sus vidas. Alina ha llegado al convento (alejado de toda civilización) a visitar a su mejor amiga que está en el proceso de consagrar su vida a la religión evangélica.

Ante esta inminente realidad, Alina no podrá resistir saberse alejada nuevamente –y para siempre-  de su compañera, por lo que luchará con todas sus fuerzas para convencerla de que permanezcan juntas hasta el final de sus días. Sin embargo, la devoción de Voichita la ha resuelto a que su existencia gire en torno a Dios y su vida monasterial.

La cinta de Mungiu se vuelve una muestra de algo que va más allá de los celos; se refiere a una obsesión de las dos protagonistas, una hacia la religión y la otra hacia su amiga, en la que las dos están dispuestas a todo por alcanzar su objetivo y ambas tendrán que lidiar con las inclemencias de sus decisiones.

En medio de una comunidad cerrada y atemorizada por la vida misma, ambas mujeres –sin percatarse de ello- estarán buscando su felicidad propia, sin dejar de pensar en la otra, pero sin darse cuenta que su vida se está deshaciendo poco a poco.

¿Hasta dónde puede llegar un hombre por un corte de cabello? Esta es la excusa narrativa que ha utilizado Cronenberg en Cosmópolis para movilizar a un joven empresario (Pattison) multimillonario y ocupado, que tiene su oficina en una limousine y al que sin importarle lo que tenga que hacer, emprenderá el camino hacia la peluquería.

En medio del tráfico y de manifestaciones sociales por la situación económica, Eric Packer recibirá citas y tendrá largas conversaciones que parecen no tener sentido, mientras su vida se desarrolla de la única forma que él la concibe.

Diferente a su tradicional estilo de body horror, Cronenberg presenta esta pieza pulcra que retrata la vida moderna.

Leer crítica

Dentro del ciclo de Cine Húngaro que se programó para esta 10ª edición del Festival, se incluyó esta película de György Pálfi (Taxidermia, 2006), quien por falta de recursos en su país se dio a la tarea de crear esta cinta con creatividad y mucho trabajo. Así, Final Cut: Ladies & Gentlemen es un homenaje al cine y al amor, que sin duda embelesará al más exigente de los amantes y conocedores del cine.

Final Cut es una historia muy simple de amor entre un hombre y una mujer. Su cualidad no es la historia en sí, sino la forma en la que está construida, ya que el film está hecho con fragmentos de quinientas películas de todas las épocas y nacionalidades. Así, se puede ver en el mismo papel a Gregory Peck, Jack Nicholson, Woody Allen, Leonardo DiCaprio y Tom Hanks, entre muchos otros; y lo mismo ocurre con el papel femenino.

Es un trabajo artesanal y cuidadoso de edición y continuidad, que cautiva y emociona. Lamentablemente, por cuestiones de derechos de autor, esta película sólo puede ser visionada para usos educativos, por lo que se puede ver en Festivales de Cine y Universidades.

Fogo es el resultado de una residencia de la realizadora mexicana Yulene Olaizola en la isla de Fogo, Canadá. Después de sus dos películas previas (Intimidades de Shakespeare y Victor Hugo, documental, 2008 y Paraísos Artificiales, 2011), Fogo es una mezcla entre el documental y la ficción, en la que se muestra –en escenario real y con los habitantes de la isla- la vida cotidiana en este lugar, en el que sus pobladores se ven en la necesidad de abandonar sus hogares.

En esta cinta, que ya ha estado en varios festivales internacionales, incluida la Quincena de los Realizadores en Cannes 2012, parece que pasa poco, pero las emociones de los personajes, aunque contenidas, demuestran la importancia de la pertenencia y el apego a los lugares.

Olaizola, que ha estado fluctuando entre el documental y la ficción, podría explorar un poco más el lado histórico y real, pero entrega una película que pese a su sencillez, deleita la vista con paisajes excepcionales y con una línea narrativa suficiente, que no extraordinaria.

Las películas de béisbol tienen una estructura muy similar y todas gozan del beneplácito norteamericano. Recientemente tuvo éxito Moneyball (Bennett Miller, 2011), y este año llega una nueva cinta protagonizada por Clint Eastwood, Amy Adams y Justin Timberlake.

A diferencia de otros filmes, en este hay un factor femenino (la hija del cazatalentos, interpretada por Adams) que imprime la presencia de la mujer en este deporte y defiende su posición, que no es ajena al mundo varonil del bate y la pelota.

Sin mayor pretensión que hacer una película más de béisbol, Golpe de efecto muestra, además, la relación entre padre e hija, la importancia de las decisiones y el descubrimiento de la vocación y las prioridades en el ser humano. La vida es como un juego de pelota, en el que en cualquier momento puedes ganar o perder, y en el que sobrevive el más fuerte y con mayor habilidad.

La muerte en vida es una situación que se experimenta cada vez más en la sociedad. El estrés, la contaminación, el egoísmo y muchos otros problemas han orillado a la humanidad a sobrevivir en un mundo que se vuelve cada vez más difícil de habitar.

Alberto es un guardia de seguridad que padece una enfermedad desconocida, que lo ha convertido en un muerto viviente, en continuo y creciente estado de descomposición. Esta no es una película de zombies y más bien se acerca al tratamiento del body horror que Cronenberg se ha encargado de llevar a la pantalla grande en múltiples ocasiones. Así, Alberto se va deshaciendo día a día, su cuerpo padece los estragos de su inevitable muerte, pero su conciencia se da cuenta de su estado, mientras que su espíritu y su cuerpo se desmoronan sin control.

La ópera prima de Sebastián Hofmann es un acercamiento a la vida actual, a través de planos contemplativos llenos de cuerpo y pedazos de piel, con un tratamiento contundente del horror corporal y un sentido del humor ácido.

La pedofilia y la pederastia son conductas que existen desde tiempo inmemorable y son drásticamente condenadas en la mayoría de las culturas del mundo. Vinterberg ha tomado este tema para conducir su último largometraje La Caza.

Lucas, un maestro de preescolar, separado y con un hijo, vive en una pequeña ciudad de Dinamarca, en donde todo transcurre tranquilamente. Un día, su vida cambiará por un malentendido con una de las niñas de la escuela, que inconscientemente dirá algo que trastornará la vida del maestro y de toda la colectividad.

Vinterberg mantiene la tensión durante la película, y sin hacer nada obvio, refleja los cambios atmosféricos de toda la comunidad, mientras desarrolla su personaje principal y las relaciones personales que este mantiene con todos sus vecinos y amigos.

La caza recuerda un poco la temática de La duda (John Patrick Shanley, 2008) que juega con el espectador respecto a la culpabilidad y veracidad de la situación.

Lamentablemente, los hogares rotos son cada vez más comunes en el mundo. En la película de Pablo Delgado, Gabriel y Fernando son dos hermanos que padecen los estragos de formar parte de una familia que está fracturada. Hijos de una madre ausente que se encierra en su recámara, Fernando se ha volcado al alcoholismo y la drogadicción, y Gabriel –con sus escasos diez años- tiene que valerse por sí mismo en la medida de sus posibilidades.

Un día, como cualquier otro, ambos hermanos saldrán a disfrutar de tiempo juntos, y se encontrarán con la realidad de sus personalidades y defectos, al punto en el que ambos verán de lo que están hechos y notarán la importancia de sus lazos filiales, que sobrepasan las fronteras de las diferencias, la edad y la experiencia.

Este que es el quinto largometraje de Delgado, que con sus 63 minutos, es suficientemente cautivador y goza de las actuaciones naturales de Fernando Alvarez y Gabriel Santoyo, quienes imprimen a la película una calidez que, en conjunto con la fotografía, le da un ambiente íntimo a Las Lágrimas.

La homosexualidad es  un tema recurrente, y que pese a que ha adquirido más resonancia y aceptación, aún hay mucha gente que lo condena. Los invisibles es un documental que se refiere a personas  homosexuales de avanzada edad (entre los 70 y 90 años de edad), que han tenido o tienen parejas estables, pero que –sobre todo- han sobrellevado su estilo de vida, pese a las complicaciones que se les han presentado.

Los invisibles son todos aquellos que tuvieron que franquear su sexualidad en silencio, en el anonimato y a escondidas, pero además –en muchos casos- en la ignorancia, con un amplio desconocimiento del tema y de cómo comportarse ante su realidad social.

Ahora en pleno siglo veintinuno, muchos de ellos no sólo han tenido una, sino varias relaciones, y han logrado sobrevivir pese a las diferencias que los caracterizan.

Lifshitz se adentra en la vida de varias de estas personas y entrega un documento audiovisual muy valioso que cuestiona las bondades actuales de la libertad de expresión en contraste con todo lo que muchos han tenido que sufrir para abrir una brecha en este tema.

Amanda es una chica que tiene problemas para dormir. Busca entonces compañía en parejas casuales, pero no logra compensar el vacío existencial y afectivo que vive a diario. Un día, le informan que debe hacerse cargo de su abuela alcohólica y casi senil. A partir de ese momento, la joven enfrentará sus más terribles demonios y miedos, encarnados en Dolores, cuya mente está atrapada en su mundo de actriz famosa.

Beristain expone en su ópera prima los lazos familiares que, sin importar las diferencias, requieren de muy poco para fortalecerse y convertirse en vínculos inquebrantables. La edad, el carácter y las circunstancias se vuelven nimiedades ante la solidez de una relación que se cosecha en la adversidad y la honestidad de las personalidades.

Después de mucho tiempo de dormir sola, tal vez sea el momento en el que Amanda pueda descansar por las noches, con la conciencia tranquila de saber que sí hay personas que se preocupan por ella, y a su vez ella tiene alguien por quien ver.

Después de su poco convencional recibimiento de la crítica en Cannes, generando opiniones encontradas entre los espectadores, y con una palma de oro bajo el brazo, Carlos Reygadas presenta por primera vez su último largometraje en el FICM: Post Tenebras Lux.

La cinta, que definitivamente es cine de autor, muestra la vida de un matrimonio: Juan y Natalia, que viven con sus dos hijos en el campo. Aquí todos están expuestos a la naturaleza no sólo atmosférica, sino también humana.

Como otras películas que se han realizado recientemente y con un cierto corte surrealista, Reygadas muestra la vida de esta pareja de forma atemporal y real, con brincos temporales y espaciales, con actores no profesionales (incluyendo a sus hijos) y con recursos audiovisuales que no han sido tan explorados o explotados en la narrativa convencional.

Post Tenebras Lux no es un sueño ni una realidad tangible, es una representación del ser humano, en una historia que podría pasarle a cualquiera, pero que no cualquiera lleva de esta forma a la pantalla grande. El realizador mexicano es un artista que está en busca de su manejo del lenguaje, y en esta ocasión lo hace a través de un film que se puede amar u odiar, pero que nunca podrá ser percibido como neutral por nadie que lo vea.

Después del éxito de En Brujas, el guionista y director Martin McDonagh, regresa con su segundo largometraje, Siete Psicópatas y un perro, con un reparto selecto (Colin Farrell, Woody Harrelson, Sam Rockwell y Christopher Walken) y la historia de un guionista que padece de un bloqueo mientras escribe su próxima película.

Mientras esto sucede, Billy y Hans tienen su negocio redondo de secuestro de perros (con el que luego cobran recompensas) hasta que atrapan al perro equivocado, lo que los conduce a una serie de malentendidos violentos. Pese a la excusa formulada por McDonagh, esta película habla de la amistad, de los vínculos afectivos y de la locura como un estado que es común denominador entre todas las personas.

Lo único que hace falta para detonar la locura es un ligero empujón, pero si se está en compañía de seres queridos, todo será mucho más sencillo.

Las psicopatías son cotidianas, y la vida real muchas veces es peor que las películas. Marty (Farrell) irá descubriendo que sus valores son inquebrantables, pero que la violencia puede despertar en cualquiera reacciones insospechadas.

En México, el 2 de octubre no se olvida, y cada añose conmemora la terrible matanza que se llevó a cabo en la Plaza de las Tres Culturas en Tlatelolco, en la Ciudad de México. En 1968 se llevaron a cabo las Olimpiadas en medio de una vorágine de acontecimientos sociales estudiantiles a lo largo y ancho del planeta. México no fue la excepción, y con Gustavo Díaz Ordaz al frente del país, se tomaron medidas represivas para evitar una situación incómoda durante el evento deportivo más importante del mundo.

Carlos Bolado, que recientemente realizó Colosio (2012), en esta 10ª edición del FICM presentó su última película: Tlatelolco, verano del 68. Bolado utiliza de excusa el romance entre dos jóvenes de clases sociales distintas y distantes para poder narrar los acontecimientos del 68. Pese a su realización cuidadosa, su ambientación definida y certera, su reparto y caracterización, y una narrativa que conduce poco a poco al espectador, Tlatelolco es una historia de amor, que remeda casi al pie de la letra un romance a lo Romeo y Julieta, que más parece una adaptación de Amarte duele (Fernando Sariñana, 2002) al Verano del 68.

No obstante, seguro que hará reflexionar a más de uno, lo que permitirá despertar en las nuevas generaciones curiosidad –o al menos morbo- ante lo ocurrido hace más de cuatro décadas en México.

El norteamericano Sam Peckinpah ha realizado alrededor de once largometrajes, en el género del western y variables del mismo. Entre sus obras destaca The Wild Bunch (1969) y Perros de paja (1971) con Dustin Hoffman. En el ciclo de México Imaginario, se exhibió Tráiganme la cabeza de Alfredo García, una película de vaqueros ubicada en México, que retrata la búsqueda de Bennie (un cazafortunas) por todo el país para encontrar el cuerpo de Alfredo García, a solicitud de El Jefe (Emilio Fernández), quien a cambio dará una jugosa recompensa.

Peckinpah, con un dominio del género y con múltiples cualidades cinematográficas, realiza esta película que para muchos podría parecer un remedo de México y una cinta sin trascendencia, pero delata las cualidades del director y exhibe una gama de estrellas nacionales como Isela Vega, en una historia de honor, justicia y codicia, que son varios de los motores narrativos del western, y que –aunque se ignore- es lo mismo que, en la actualidad, mueve a las hordas del narcotráfico y conduce a la mayoría de los seres humanos por la vida.

Mark Cousins, autor del libro Story of Film y del documental homónimo de más de quince horas de duración sobre la historia del cine, regresa a la pantalla grande con un ejercicio documental que narra sus últimas vacaciones en México, acompañado de su cineasta favorito, Sergei Einsenstein.

Durante los 78 minutos de metraje de la película, Cousins narra sus percepciones de México en contraste con sus recuerdos de otros lugares, como Alemania o Estados Unidos.

What is this film… parece una antítesis de la estructura e investigación exhaustiva que llevó a cabo con su realización anterior, convirtiéndose en un ejercicio lúdico, personal y receloso, donde Cousins hace declaraciones de estilo cinematográfico, gustos y personalidad, con su handycam y material de otros viajes.