La última película de Kevin Smith se alzó con el premio a la mejor película en esta última edición. Presentada en Sundance con gran revuelo, parece que al realizador se le han quitado las ganas de reír.

The Raid fue la película definitiva de acción, un vitamínico y adrenalítico largometraje que supuso el éxtasis para el aficionado, envilecido y asombrado ante tal despliegue coreográfico de las peleas mano a mano, las piruetas de las artes marciales y la violencia con músculo.

Era la película asiática estrella a competición y la que había generado grandes expectativas, al traer de vuelta a Na Hong-jin a Sitges, después de la brillante The Chaser (2008).

The Divide se inscribe en la larga tradición del género fantástico, en la que una serie de personajes acaban encerrados en un único espacio, fruto de un exterior infranqueable, ya sea porque es insalubre o porque es amenazante por fuerzas sobrenaturales. 

El mumblecore por los senderos de la enajenación y las obsesiones psicopáticas. De dicha corriente del cine independiente norteamericano más rudimentario y que bordea las lindes de lo amateur, Evan Glodell que la dirige, produce, monta, escribe e interpreta, sitúa a su film en la cuadrícula minúscula e intimista de las relaciones sentimentales, para llevarlo a terrenos delirantes, descoyuntados e irreverentes, demarcaciones inhóspitas dentro de la tendencia habitual del do it yourself.

La película de Panos Cosmatos es tan árida como fascinante. Una propuesta retro-futurista que alude a la ciencia ficción más abstracta y conceptual (la vertiente intelectual de los años 60 y 70), para embargarnos en una experiencia fílmica hipnótica y sugerente. 

La naturaleza no puede trascenderse. Esta frase, mencionada en el film, funciona como doctrina para un grupo de parapsicólogos que aterrizan en un apartamento neoyorkino. Su óptica y su aparición está regida bajo la intención de dar explicación (científica) a una serie de fenómenos sobrenaturales que se están dando en la vivienda, habitada por un padre viudo, su hija adolescente, enfadada con el mundo, y su hijo pequeño.

Fue nuestra favorita de la Sección Oficial pero injustamente se fue de vacío. Carré blanc fue una excelente fábula distópica, la cual junto con la vintage Beyond the black rainbow, demostraron que los relatos futuristas, desde una opción arriesgada y formalista, permiten todavía abrir vías de experimentación fructíferas para que el filón siga siendo un torrente creativo que sitúe al fantástico en las cotas de madurez y dignidad que alcanzó en los años 60 y 70.

Subió el realizador joven y debutante al escenario, nervioso y tembloroso, a presentar su film. Pero puede respirar tranquilo, porque Hell fue una de las películas más sólidas de todas las que pudimos ver en esta edición.

Nos han metido un gol por la escuadra. Han sabido despertar cierta expectación previa, incluido el mismo festival, para descubrir con pesadumbre que estábamos ante un trabajo irregular y desmañado.

Los sueños pueden ser un material fértil como génesis de un largometraje. Así lo fue en Ingmar Bergman para El silencio (Tystnaden, 1963), que nació de uno que tuvo el cineasta. Pero en el caso de Francis Ford Coppola rogamos encarecidamente que se olvide de los suyos, visto el resultado.

El día que vayamos a Sitges y no nos encontremos una película de este corte nos preocuparemos. Porque uno de los rasgos distintivos de este festival especializado es encontrarse con un tipo de películas que nunca rebasarían los criterios de selección de otros certámenes.

El apocalipsis en clave intimista y circunscrito a una pareja de la mano de un sosegado Abel Ferrara, recién venido del Festival de Venecia.

En la rica cosmogonía sobre el mito del vampiro, la aportación de Shunji Iwai pretende distanciarse de las coordenadas del arquetipo ficticio, para insertarlo como una fantasía cultural que emulsiona la disfunción de su personaje principal, Simon, un profesor solitario y retraído, con una doble vida.

Nos situamos en una villa siniestra entre frondosos bosques, llena de cierto oscurantismo, supersticiones y secretos. Un paraje marcado por un misterioso crimen que tuvo lugar en la retirada granja de los Danner, donde fueron asesinados todos los miembros de la familia junto con la criada.

Fue el largometraje misterioso de la jornada y aquellos que aceptamos el envite de asistir a un film programado que desconocíamos no salimos defraudados. Ya se anunció que no sería un film estrictamente fantástico pero albergaba un espíritu común con la esencia del Festival.

Esta ópera prima, que resulta una semi-autobiografía de la ahora directora, actriz y modelo fotográfica, Eva Ionesco, muestra la difícil vida de una niña que no quiere posar desnuda para su madre artista, pero que al mismo tiempo desarrolla una tormentosa y necesaria obsesión a estar con ella.

La rutina en un pueblo es lo que conduce la línea argumental de esta ópera prima de ficción de la directora brasileña Julia Murat.

Esta es una de esas películas inspiradoras, donde se demuestra una vez más que "pueblo unido, jamás será vencido". En este caso, Ernesto (Demián Bichir) es un colombiano que se ve en la necesidad de hacer un aterrizaje forzoso en un pueblo de Irlanda y ante la incomunicación idiomática, Paco -un pequeño niño huérfano- lo acoge y le ayuda a que pueda volver a su casa. ¿La fórmula?: reparar y reconstruir el avión deshecho y crear una pista para que pueda despegar.

Uno de los más importantes y galardonados directores mexicanos, Arturo Ripstein (El lugar sin límites, El castillo de la pureza), regresa a las pantallas, después de cinco años de ausencia, para presentar Las razones del corazón.

Huérfano es la palabra que define a una persona que se ha quedado sin padres, pero ¿qué palabra define lo contrario? ¿cómo llamas a una madre o un padre que ha perdido a su hijo?, ese concepto no existe en el diccionario, y sin embargo, el dolor que se experimenta es igual o mucho mayor.

Últimamente, en México ha comenzado una interesante y motivante explosión de documentales de gran calidad, que han logrado -pese a los obstáculos- llegar a las carteleras nacionales.

El racismo no es privativo de ciertos círculos sociales, y aunque los latinos residentes en Estados Unidos comparten la marginación, entre ellos son despreciativos hacia otras culturas y nacionalidades.

Perturbadora es el adjetivo que enmarca esta cinta de los Países Bajos. En ella se retrata a Lena, una joven de diecisiete años que vive una situación complicada con su madre, tiene sobrepeso, maltrata su cuerpo, nada le satisface, y al mismo tiempo posee un sinfín de cualidades, aunada a una fortaleza interior y una decisión inamovible.

Durante unos años, las películas de historias entrelazadas tuvieron su auge. El guión de Fecha de caducidad es justo de esos años, por lo que regresa a la pantalla el estilo de la revisión del mismo momento desde distintos ángulos, para contarnos la historia de tres personajes, intepretados por la primera actriz Ana Ofelia Munguía, Damián Alcázar y Marisol Centeno.

La guionista del director mexicano Fernando Eimbcke (Temporada de patos, Lake Tahoe), Paula Markovitch, se estrena con su ópera prima, realizada en su natal Argentina, con inversión mexicana (apoyada por Francia y Polonia).

Latinoamérica se caracteriza por una constante lucha y búsqueda de la identidad ideal de sus sociedades. Guerras, guerrillas, luchas armadas, frentes sociales y levantamientos han sido el "pan de cada día" en América.

Dejar ir y desprenderse de lo querido es una de las acciones más difíciles de llevar a cabo. Por naturaleza los seres humanos somos aprehensivos a las cosas, los lugares, las personas, los recuerdos.

Gus Van Sant tiene un gusto particular por las películas sobre jóvenes (Elephant , Paranoid Park ), y Restless ha llegado a las pantallas dentro de ese rubro de filme sobre juventud, pero que resulta alejado de sus historias acerca del desequilibrio, y con una tendencia más hacia el estilo que enmarcó El indomable Will Hunting (Good Will Hunting), pero con la estética blanquecina de Paranoid Park . 

La visión de un niño siempre es mucho más inocente y simple que la de un adulto. Para Cyril, el único objetivo que existe en su vida es encontrar y vivir con su padre, el resto de las cosas dejan de importar.

La periodista y ahora documentalista Jacaranda Correa hace su llamada de atención a México y al mundo con respecto a la violencia doméstica que existe en el país.

Pedro Almodóvar se ha caracterizado por tratar temas femeninos, y en esta ocasión no ha sido la excepción, sin embargo, junto a sus habituales formas y temáticas, la historia que ha seleccionado está basada en la novela del autor francés Thierry Jonquet: un thriller psicológico, que el director manchego ha modelado hasta tener tintes de ciencia ficción, drama y suspenso casi terror, lo cual resulta en una película distinta a su trabajo previo.

Esta sencilla historia, cuarto largometraje del chileno Matías Bize, es una película que retrata el regreso a Chile de Andrés, un hombre que buscaba mundo y se fue a vivir a Alemania para encontrar su felicidad, pero con su partida, dejó su pasado, el amor de su vida y muchos recuerdos. Un día, decide volver y una marea de emociones y pensamientos invadirá su vida

Annie es una chica inocente que está descubriendo el mundo de la relaciones interpersonales, pero lo hace a través de internet. Así, un día conoce a Charlie, quien parece ser el chico perfecto, que se preocupa por ella, la conoce y está ahí, a cualquier hora, para escucharla.

Las pastorelas en México son representaciones teatrales del nacimiento de Jesús, que fueron implementadas por los misioneros y evangelizadores para la enseñanza de la religión católica durante la época de la conquista.

La última película de Terrence Malick, El árbol de la vida, que fue presentada al mundo en el Festival de Cannes de este año, y fue galardonada con la palma de oro, llegó a México, en días pasados, presentada en el marco del 9º. Festival Internacional de cine de Morelia.

Yves Saint-Laurent es para muchos el último gran diseñador de moda de la historia contemporánea. Discípulo de Christian Dior y heredero de sus últimas aportaciones, Saint-Laurent logró dejar su huella en la industria del vestido a nivel internacional, convirtiéndose  prácticamente en un héroe nacional de Francia. Sin embargo, no sólo su genialidad para el diseño caracterizó a este personaje, sino también su pasión por el coleccionismo de piezas de arte y su sólida y duradera relación homosexual con Pierre Bergé.

François Ozon  parece manejar con gran soltura dos géneros cinematográficos: el drama personal e íntimo y la comedia que casi llega a la farsa. Por supuesto ha realizado películas que no tocan ninguna de estas dos formas, pero que han sido igual de importantes en su carrera (cintas como Swimming pool u 8 mujeres). Sin embargo, su mayor producción de los últimos años ha tendido más a retratar historias íntimas.

¿Cuál es la única cosa que al compartirla se destruye? Piensen en la naturaleza constitutiva del acertijo. Encontrarán la esencia de Los pasos dobles, ganadora de la Concha de Oro a la mejor película de esta edición.

Al final, la película de Benito Zambrano tuvo su presencia en el palmarés con la concesión de la Concha de Plata a la mejor actriz, María León, sin duda, lo mejor de film. Es quizás de las tres propuestas la que mejor representa a la industria y posee todos los ingredientes para gustar en los premios Goya.

De todas las reapariciones de realizadores españoles que se han dado cinta en el Zinemaldia, la de David Trueba con Madrid, 1987 fue la más discreta, la que menos contaba con un aparato publicitario que reclamase la atención sobre sí misma.

En esta edición es destacable el reencuentro con varios notables realizadores de la cinematografía española, que vienen al Zinemaldia a presentar su trabajo tras un dilatado lapso de tiempo en relación con su largometraje anterior. Nacho Vigalondo es uno de ellos, quien nos trae Extraterrestre, tras el buen sabor de boca que dejó con Los cronocrímenes (2007).

En su debut en la dirección de un largometraje, Chapero-Jackson había generado expectación, dado el reconocimiento recibido de sus anteriores cortometrajes, acrecentada con pequeñas píldoras que se han ido desgranando del film en cuestión.

Aún a riesgo de parecer cursi, levantarse por la mañana con este film que recupera la infancia como el territorio sagrado de los buenos y reconfortantes sentimientos, es casi un pequeño milagro.

La película de Michel Hazanavicius ha sido la ganadora del premio del público, aquí en San Sebastián, tras su paso por el festival de Cannes donde recibió el premio al mejor actor, Jean Dujardin. Es más, sospecho que es completamente oscarizable.

Junto con Kiseki, de Hirokazu Kore-eda, la última película de Julie Delpy es una de las películas más frescas y vitalistas de la Sección Oficial.

Tres años después de haber sido protagonista de una retrospectiva de su obra, Terence Davies vuelve a San Sebastián en su esperado último trabajo de ficción.

Sarah Polley toma como inspiración la canción homónima de Leonard Cohen para hablarnos, desde la perspectiva femenina, de las encrucijadas sentimentales.

La divina Glenn Close vino a recoger el premio Donostia, en reconocimiento a toda su carrera. Y con ella, se trajo bajo el brazo un vestido hecho a su medida, confeccionado por un sastre de su confianza, Rodrigo García -que la dirigió previamente en Cosas que diría con sólo mirarla-, creando una obra producida, escrita e interpretada por la actriz.

Nos llega al Zinemaldia, desde la última edición del certamen de Sundance, la que se alzó con el premio al mejor director en dicho festival. Martha Marcy May Marlene se adentra, a través de los mimbres del thriller psicológico menos efectista, en el laberíntico y tortuoso universo de las sectas.

Aquí la gente se olvida de morir. El lugar es Jotuomba, una villa fantasma en la región pobre y rural, cerca de Río de Janeiro, Vale do Paraíba. Allí recala Rita, una joven fotógrafa, que le pide a Madalena, la anciana protagonista del film, alojamiento para pasar unos días.

Pues eso me pregunto yo. La directora vuelve al certamen, tras su paso en el 2007 con Caramel (Sukkar banat), llevándose el premio del público y alcanzando una resonancia internacional. Con su nuevo trabajo parece destinada a llevarse de nuevo el mismo galardón.

Si Kim Ki-duk pretendía levantar una polvareda con su film, podemos asegurar que en San Sebastián lo ha conseguido. Hay que reconocer que José Luis Rebordinos y su equipo han sido valientes, colocándola dentro de la Sección Oficial a competición.

La hija de Michael Mann, Ami Canaan Mann, debuta en la dirección, bajo producción de su progenitor, y adentrándose en el mismo territorio fílmico, ergo en las lindes del thriller criminal, para plasmarnos la historia de dos detectives que van a la caza de un psicópata que va matando jovencitas.

Nuestro primer día lo hemos constituido como una jornada de géneros "oscuros". La primera en abrir el fuego es un ejemplo más de lo que bien podríamos llamar "fuga de cerebros": directores que triunfan fuera de nuestras fronteras, consagrándose a través de su acercamiento al cine fantástico.

Finalizamos las entregas de reseñas de la edición de este año de FIRE con buen sabor de boca. La robe du soir centra todos sus esfuerzos en reflejar, con atinada verosimilitud y extrema sensibilidad, las dinámicas internas del deseo, todo un proceso alquímico carente de articulación 

Frente a la tibieza ideológica de la mayoría de propuestas de ficción vistas en FIRE, los documentales suplen la carencia de contenidos políticos más explícitos, a través de los diversos escenarios creativos que son mostrados. Tatiana Issa y Raphael Alvarez realizan una obra de no ficción, en clave exultante y apasionada, que cuenta con una inevitable coda nostálgica, de la trayectoria artística y personal de la compañía teatral brasileña, Dzi Croquettes, forjada en los años setenta y extinguida en la década posterior.

Tenía que pasar. No hay festival o muestra que se precie, sin que puedas escapar de ver una cinta que suponga todo un suplicio. El dudoso honor de la edición de este año de FIRE lo ostenta Gigola, a la que al menos le reconoceré el mérito de desconcertarme como pocas. Porque mientras la veía me sentía como un juez entre un fiscal abusón y un defensor desbordado.

 ¿Les gusta jugar a los parecidos razonables? Con Brotherhood es muy fácil. Se negará desde determinados sectores la calidad de Brokeback Mountain (2005), pero que de forma reiterativa se esté tomando como modelo para posteriores ficciones, evidencia que el tiempo está jugando a su favor.

El documental sobre el legendario diseñador de moda Yves Saint Laurent opta por casi prescindir del inevitable tono hagiográfico, habitual cuando hablamos de grandes personalidades que han dejado su huella en nuestra cosmogonía cultural y social, para articular una poética de la ausencia, la cual recuerda en muchas ocasiones a la que tejía Olivier Assayas en Las horas del verano (L'heure d'été, 2008).

El documental de Lynn Hershman-Leeson, visto en Sundance, es un trabajo de trinchera donde se pretende mostrar la actividad del movimiento feminista en el entorno del arte, dando arranque a finales de los años 60, en un contexto de lucha por los movimientos civiles, para combatir políticas discriminatorias de los poderes institucionales que ostentaban la exhibición museística del arte.

Si podemos atender la doble discriminación que sufre la mujer lesbiana por ser mujer y por su condición homosexual, la cuestión se retuerce y se complica cuando hablamos de la situación del transexual femenino. Hablamos de la mujer con órganos femeninos pero con identidad masculina y que busca adecuar su condición fisiológica a su propia razón de ser.

¿Se puede hacer un film ambientado en el hip hop sin ritmo? Off Beat es la respuesta, nunca mejor dicho, si traducimos su título. Asumida la morosidad en la cadencia, tampoco se esperen un fresco a lo Robert Altman para la descripción de la escena rapera en el Zurich contemporáneo, ya que el microcosmos del que parte para articular una esquemática trama se reduce a un club de hip hop y tres personajes principales, dos de ellos hermanos.

De momento, en lo que llevamos visto, el film de George Scott es el mejor documental de todos los que se proyectan en FIRE!! En él, a través de una serie de entrevistas con el mismo Rufus Wainwright junto con su entorno más próximo, tanto laboral (el director teatral, el conductor musical, la soprano, su co-libretista y amiga) como personal (su familia y amigas), nos permite construirnos un retrato perfecto de una personalidad excepcional.

El Maximo del título es un niño afeminado que cumple el rol femenino tradicional de ama de casa en su núcleo familiar, compuesto por un padre y dos hermanos mayores. Así, Maximo, mientras se divierte con sus amigos, también desmesuradamente amanerados, recreando concursos de misses, además  se ocupa de la limpieza del hogar y de cocinar para su familia. 

A partir del presente número, EL ESPECTADOR IMAGINARIO estrena una nueva sección de novedades, mediante la cual iremos publicando a diario las reseñas de todos aquellos festivales que tengan presencia en la revista.