Etiqueta: Molins de Rei 2014

Don´t Move es de Anthony Melton, que además de dirigirlo, también lo produce. Se trata de su primer cortometraje, aunque a estas alturas de 2014 ya ha dirigido otros tres cortometrajes más y tiene otro en fase de posproducción.

Don´t Move hace valer una de las máximas para escribir guiones. Entra en la escena lo más tarde posible y sale lo antes posible. Así está escrita la historia de David Scullion. Al inicio y sin ningún merodeo nos encontramos con la celebración de una reunión entre varios amigos, donde a través de la ouija se ha terminado liberando un demonio. Una persona ya ha muerto y otras cuatro más lo deberán hacer con ella.

Esta es la premisa de una historia llena de violencia, que se terminará convirtiendo en un relato cruel y despiadado acerca de las relaciones humanas, que aparecen representadas en forma de traiciones y de engaños. Y las traiciones son las que terminarán saliendo caras.El final es tan sorprendente como revelador de esta idea y seguro que alegrará a más de uno.

Lee Cronin empieza a consolidar ya una carrera en la realización de cortometrajes dentro de un cierto género como es el de terror-fantástico. Ghost Train ha sido escrito y dirigido por él y es el cuarto que realiza después de Billy & Chuck, Through the Night y Wilbur & Anto, los cuales también fueron escritos por él mismo.

A Lee Cronin parece interesarle los trenes como vehículo, nunca mejor dicho, de expresión de sus ideas. El tren como elemento que compone la atmósfera de Through the Night, la historia de una pareja que intenta conciliar el sueño durante una noche, sin llegar conseguirlo, creando una atmósfera cargada y con tan solo dos personajes, Sin que apenas haya acción, el tren funciona como representación de un viaje al pasado y como medio de recuperar los recuerdos de un trágico acontecimiento, además deuna manera de llegar a saber la verdad acerca de lo que ocurrió.

Lee Cronin nos remite así al debate que se puede abrir en torno a lo que es realidad y lo que es leyenda. Qué se esconde detrás de unos hechos en los que un chico de la pandilla perdió la vida. En este caso, nadie sabe lo que ocurrió, excepto uno de ellos. Con una estética cuidada hasta el extremo, una dirección de fotografía con predominio de tonos grises que generan una sensación gélida y de lejanía a lo largo de toda la historia, terminaremos por saber la verdad.

Tin & Tina, de Rubin Stein, filmado en blanco y negro, narra el momento a partir del cual todo se encuentra preparado para empezar a cenar. Tin y Tina cenarán con su padre en casa. Pero los chicos no quieren probar la sopa.

El corto se ha rodado en un único plano secuencia y la acción viene determinada por elementos que se encuentran dentro del cuadro, aunque se recurre en dos ocasiones al fuera de campo, pero para acciones que no son determinantes (es el caso en que Tina va a coger un cubo de agua al baño). Así, por ejemplo, vemos cómo suena el teléfono y Tina habla con su madre, que esa noche no está en casa.

Uno de los elementos de la puesta en escena que actúa como algo determinante es el sofá, que tapa el desarrollo de la acción que vertebra la historia, actuando como un velo para no dejarnos ver lo que está ocurriendo. Todo se convierte en un juego de preadolescentes, combinando su aparente inocencia propia de la edad, incluso la inconsciencia, para terminar construyendo una metáfora acerca del bien y del mal.

Esta pieza supone una declaración de intenciones acerca de cómo planificar una historia. En este sentido, es interesante ver que en la primera parte del corto, la cámara permanece inmóvil y luego empieza a tener un ligero movimiento que es casi imperceptible  que se hace más perceptible cuando termina con un plano contrapicado.

Tin & Tina se revela como un ejercicio de estilo de su director y un despliegue de imaginación para contar una bonita metáfora con tres personajes y un único decorado (destacable también la dirección de arte).