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Alone es una versión reducida del documental Three Sisters que ganó premios en el festival de Venecia 2012.

Las protagonistas son tres hermanitas de diez, seis y cuatro años, que viven solas en un pueblo remoto de China. Su madre las abandonó y su padre trabaja en la ciudad. Sólo tienen una tía que visitan a menudo y un abuelo en el mismo pueblo.

El documental logra un nivel de intimidad con los personajes y se nos hace difícil imaginar cómo el realizador Wang Bing lo pudo conseguir. La frescura e inocencia de las niñas nos permite acercarnos a ellas y ser parte de su cotidianeidad.

En algunos momentos no podemos evitar la tristeza y hasta el pudor que nos da ver las condiciones en las que viven estas chicas: escasez de ropa y de alimentos, zapatos húmedos y rotos y hasta la más pequeña se caracteriza por tener siempre muchos piojos.

Pero también es una llamada de atención en estos tiempos dónde vivimos con tantos objetos y comodidades a nuestra disposición. Se muestra cómo también es posible vivir con tan escasos recursos. En especial Ying, la hermana mayor, nos da un ejemplo de madurez y fortaleza ante las adversidades. No podemos más que admirarla al verla lavar la ropa o al preparar la cena para sus hermanitas.

El pueblo se encuentra ubicado en una zona muy alta y muy lluviosa. Los planos de paisajes, cuando las niñas sacan a pasear a las cabras, por ejemplo, son ciertamente bellísimos. Están sólo acompañados del ruido exterior, no hay presencia de música, pero algunas escenas llegan a ser tan poéticas que se confunden la ficción y realidad en todo momento.

Este film ganó el premio más importante del festival, el premio Boréal de la crítica, que consiste en 5.000 francos suizos (algo más de 5.000 dólares).

Aunque no sea novedad que Isabelle Huppert nos seduzca y nos deje encantados con sus trabajos, quiero rescatar que es exactamente lo que ocurre en este film de Hong Sangsoo: In Another Country. No es tan sólo una buena actriz, sino que también es una mujer enigmática, y nunca sabemos bien cómo sus personajes pueden reaccionar.

El film es un tríptico de la actriz francesa, quien interpreta a tres mujeres en historias diferentes, pero en el mismo entorno geográfico y casi con los mismos personajes secundarios. Se trata siempre de una francesa llamada Anne, quien primero es una realizadora cinematográfica que visita a un colega coreano con el cual tuvo un affaire, luego es la esposa de un exitoso ejecutivo que se escapa para encontrarse con su amante: un director coreano de cine y televisión, y por último una mujer recientemente divorciada que decide irse de vacaciones con una amiga para sobrellevar el mal trago.

Estos tres personajes son muy distintos entre sí, pero a su vez forman un solo personaje: una mujer occidental en un país extranjero. La acción transcurre en un pueblo balneario de Corea, donde no hay mucho movimiento ni diversión. Algunos recursos, como por ejemplo el vestuario, son apropiados y consistentes, para que no haya confusiones entre los personajes interpretados por la misma actriz. Para poder enlazar las historias, se repiten escenas o se dan de forma muy similar. Hay también ramificaciones de historias sobre el mismo eje narrativo.

De una forma ligera y entretenida, el film denuncia flagelos de la sociedad coreana. Entre otros, el alcoholismo, la infidelidad, la falta de respuestas de la religión y el atractivo que tiene Occidente (representado en esta seductora mujer francesa). También se critica a los hombres coreanos, a los cuáles se los muestra como insensibles, interesados solamente por el sexo.

Este film estuvo nominado a la Palma de Oro, en Cannes 2012. En el festival Black Movie formó parte de la sección A suivre, le retour (a continuación, el retorno), integrada principalmente por films de directores con una trayectoria sólida y exitosa.

Este film, desde el principio, pone las cartas sobre la mesa, prometiendo una trama con acción y suspenso. En la mañana del sábado 26 de abril de 1986, Valery se entera del accidente de la planta de Chernobyl. Luego de intentar escapar con su novia, sin éxito, termina preso en un círculo de engaños, negaciones y malentendidos con conocidos y amigos. El tiempo pasa y las posibilidades de escapar se vuelven cada vez más inalcanzables.

Y lo que en un momento prometía ser un relato casi histórico de un hecho tan desafortunado, o un documental, termina siendo el puntapié inicial para mostrar los vicios y bajezas de un grupo de jóvenes ambiciosos.

El lapso temporal del film son las 36 horas luego de la explosión en la planta, centrado únicamente en un grupo de amigos, quienes son un ejemplo perfecto para representar la tendencia humana a negar las catástrofes.

Aunque el paso del tiempo y la falta de reacción sean incómodos para el espectador, la trama está muy bien lograda, porque por momentos llega a crispar los nervios. Fácilmente quedamos inmersos en el mismo círculo vicioso en el que se encuentran los protagonistas.

Dentro de los recursos para lograrlo: planos muy cercanos de las caras de los jóvenes ebrios, música fuerte y estridente que tapa los diálogos, y movimientos de cámara veloces que hacen sentir el mareo y agobio de los protagonistas.

En cuanto a referencias históricas, muestra varias características interesantes de los últimos años de la Rusia comunista. Se nombran las dificultades para conseguir indumentaria, alcohol y hasta se cuestiona si continúa la prohibición de canciones en lengua extranjera.

Esta película formó parte de la sección dedicada al nuevo cine ruso en el festival Black Movie. La justificación de esta sección es que, aparentemente, en la Europa actual, es aún difícil tener acceso a estas obras.

Masahiro Kobayashi presentó en Suiza su film número dieciocho en el marco del festival Black Movie. En esta ocasión, el director japonés quiso recordar y dar soporte a las víctimas del accidente nuclear de Fukushima el 11 de marzo de 2011. También recordó a las víctimas de suicidios en Japón durante 2010, CUYA tasa fue considerablemente alta.

Este film en blanco y negro cuenta la historia de Fujio, un hombre que decide morir encerrado en un cuarto de su casa junto a las cenizas de su esposa, prohibiéndole a su hijo que interfiera en su decisión. Durante sus últimos días, recuerda cómo su vida fue desmejorando a causa del alcohol, su enfermedad y la de su esposa.

Los saltos temporales de los recuerdos del protagonista recuerdan a algunos films de Akira Kurosawa. El actor que interpreta a Fujio, Tatsuya Nakadai, participó en diversas películas del gran director japonés.

El uso del blanco y negro contribuye a la atmósfera de desesperanza y melancolía del film, en general. Existe sólo una escena filmada en color, y se trata de la única que nos transmite esperanza: Fujio y su esposa reciben la primera visita de su única nieta, la hija del único hijo del matrimonio (Yoshio).

El consumo de alcohol se muestra con crudeza, como un gran flagelo de la sociedad. No sólo destruye a la persona que lo bebe, sino también a su familia (porque convierte al individuo en un ser agresivo). También parece ser difícil que el vicio no pase de padre a hijo.

Kobayashi afirmó, en la ronda de preguntas y respuestas posteriores a la proyección, que ya hay mucho material documental sobre el desastre nuclear japonés. Es por eso que el director prefirió abordarlo a través de la ficción, desde la intimidad de una familia atravesada por la crisis japonesa y el accidente nuclear.

Delincuente juvenil, así se llama el segundo film de Kang Yikwan que se presentó en el festival Black Movie.

Esta es la historia de Ji-gu, un adolescente que vive con su abuelo y trastabilla en centros de detención y correccionales de menores, intentado tener una vida normal como cualquier otro joven. Al fallecer su abuelo, casi por casualidad, un asistente del hogar donde vive Ji-gu logra contactar a su madre, a quien Ji-gu daba por muerta. A partir de ahí comienza una relación llena de amor, pero también de miedos, frustraciones y vergüenza entre madre e hijo.

La película intenta mechar escenas graciosas o ligeras, para que se haga soportable la trama general. No importa cuanto lo intente, Ji-gu siempre termina de la forma menos inesperada, detenido o con su libertad limitada.

Se tocan temas delicados como es la paternidad adolescente. De qué forma un hecho inesperado, y que debería estar asociado a la alegría (como ser la venida de un bebé al mundo), puede arruinar la vida de tantas personas involucradas. Ante este tema, Kang Yikwan afirmó que en Corea aún existe un abismo entre las generaciones más jóvenes y los adultos. Es por ello que los adolescentes habitualmente se encuentran desinformados en lo que respecta a su educación sexual, y casos como los del film son moneda corriente. Afortunadamente, según el director sud-coreano, su film fue elegido para mostrarse en escuelas secundarias, con la finalidad de aportar una conciencia mayor ante estos problemas.

Al menos, a todo padre le toca de cerca ese sentimiento que expresa tan bien la madre de Ji-gu: no queremos que nuestros hijos nos vean como perdedores, aunque lo seamos; ellos tienen que vernos siempre como personas exitosas. En el film, Ji-gu y su madre son ejemplos de personas que, a pesar que trastabillan a menudo, no se dan por vencidos y siguen intentando salir adelante.

El último film de Kim Ki-Duk, el número 18, se presentó en el festival Black Movie luego de haber recibido múltiples premios en el festival de Venecia 2012.

Kim Ki-Duk nunca fue un director ligero. De la misma forma que logra secuencias sublimes, inolvidables y románticas (como los planos que muestran a la joven en el barco de El arco (Hwal, 2005)), puede lograr impresionarnos fuertemente con anzuelos como lo hace en La isla (Seom, 2000).

Pieta no es la excepción, incluso las escenas duras que provocan la sensibilidad del espectador son más crudas y variadas en este último film.

Esta es la historia de Gang-Do, un hombre sin escrúpulos que aterroriza a deudores que no pagan sus deudas. El arreglo si los deudores no pueden pagar consiste en dejarse mutilar por Gang-Do, para que luego las aseguradoras se encarguen de pagar al acreedor al denunciar el siniestro como un accidente de trabajo. De una forma impune, Gang-Do continúa cobrando sus deudas hasta que aparece en su vida Mi-Son, una mujer que afirma ser su madre.

El tema de la venganza, tan presente en el cine oriental y en particular en el cine coreano adquiere una perfección absoluta en la trama de este film. Cada una de las personas afectadas por las atrocidades de Gang-Do toma diferentes actitudes ante la injusticia, representando cada una de las reacciones más habituales de los seres humanos.

A pesar que los escenarios elegidos para este film no tienen nada de bonitos, Kim Ki-Duk logra aportar belleza absoluta al film de las formas más diversas. El paseo lúdico que realizan Gand-Do y Mi-Son, en la que madre e hijo juegan luego de estar separados por treinta años, está cargado de belleza emocional y estética. Incluso hay belleza en los planos más extraños, como por ejemplo una anguila desplazándose por el suelo.

Sin dar detalles reveladores, incluso la escena final que implica una tragedia, situada en un amanecer hermoso y acompañada de música armoniosa y relajante, logra transmitirnos una paz que nos confunde. ¿Estamos acaso a favor de la venganza?

Este film es un buen exponente de la sección Un paseo salvaje, en la que participan films bizarros, despegados de las restricciones de la gramática cinematográfica.

Algunas de sus escenas están construidas como si se tratara de un documental, pero la película es ficción pura. Se trata de la historia de Lana, una niña abandonada en un zoológico a los tres años. Lana creció en ese entorno, criada por el personal estable del lugar. Recién al llegar a edad adulta, conoce a un joven mago que la ayuda a salir y conocer el exterior.

Lana conserva siempre su actitud inocente y esa mirada diferente que le dio el criarse entre animales. El relato de sus experiencias se realiza mediante analogías continuas con los habitantes del zoológico. Los animales tienen un hábitat natural y deben adaptarse al encierro, Lana tiene su hábitat en el zoológico y debe adaptarse a la vida de afuera.

Nominada al Oso de Oro en el festival de Berlin 2012 y en el de Tribeca 2012, participó también en otros festivales  asiáticos. Este es el segundo largometraje de su director, Edwin, quien tiene varios cortos en su haber.

Las tomas que Edwin logra con los animales son estupendas, no sólo por su cercanía, sino porque experimenta distintas iluminaciones sobre los mismos. No son habituales, por ejemplo, escenas de animales mientras está oscureciendo, que en este film se pueden apreciar muy bien.

Los animales que aparecen son muy diversos, siendo fiel a la variedad que puede disponer un zoológico de Jakarta. Pero entre ellos, destaca una jirafa, a quien el director le rinde culto y homenaje, mostrando su belleza en todo su esplendor.

En el guion, además, existe una denuncia sobre el mundo oculto de las mujeres que realizan masajes placenteros a los hombres, pero el tema está tratado con humor y con mucha altura.

Es un placer mirar este film, comparable con el que le provoca a un niño visitar un zoológico, quien se sorprende con la belleza de cada uno de los animales.